da Rossano Giuppa | Ott 6, 2015
(Teatro della Cometa – Roma, 1/18 ottobre 2015)
Wikipiera al Teatro della Cometa di Roma non è solo un’intervista dal vivo abilmente condotta da Pino Strabioli a Piera Degli Esposti.
É un viaggio piacevole e sorprendente nella vita e nelle emozioni dell’attrice, nelle scelte e nelle passioni, nel suo essere un po’ controcorrente ma coerente. É il racconto di un’inebriante stagione della cultura italiana, la più irriverente forse, la più insolente ma che ha lasciato tracce indelebili.
Più di 50 anni di carriera, ricordi, incontri e pezzi di teatro in ordine sparso per un percorso di vita di una donna diversa, un’attrice diversa, capace di scelte coraggiose e di importanti rifiuti, capace di buttarsi in un mare in tempesta e di raggiungere sempre una sponda.
Facevo l’attrice da bambina a casa, da sola, le scuole di teatro mi avevano rifiutata. Riuscire a recitare portando la mia diversità ha voluto dire avere determinazione e forza…la prima a fare un monologo quando era appannaggio solo dei maschi.
Ha lavorato con Calenda, Castri, Pasolini, Ferreri, ha fatto avanguardia con Leo De Berardinis ed il collettivo Beat 72, ha collaborato con la scrittrice Dacia Maraini: artista eclettica e curiosa, di sinistra come allegramente si definisce, impegnata, irriverente e fuori dagli schemi.
Il dialogo con Pino Strabioli scorre con piacevolezza e complicità, senza eccessi, in una continua sovrapposizione di ricordi ed immagini: l’abbandono della scuola dopo le elementari perché troppo angoscianti, l’amore per la letteratura, il desiderio di essere da grande dama di compagnia, la convinzione di voler fare l’attrice, i tanti provini, un concorso di bellezza, il rifiuto a Strehler, la lunga collaborazione artistica con il Teatro Stabile de l’Aquila. E poi ancora il rapporto di amicizia che da bambina la lega a Lucio Dalla, l’incontro folgorante con De Chirico, i dialoghi con Pasolini, l’inchino di Eduardo De Filippo, la passione erotica per Robert Mitchum. E per finire la grande prova d’attrice con un monologo di Beckett che lascia incantati e ci conduce tra le pieghe dei sogni più belli, quelli che trasformano la sofferenza in colta bellezza.
data di pubblicazione 06/10/2015
Il nostro voto: 
da Rossano Giuppa | Ott 5, 2015
Al Roma Europa Festival in scena Vortex Temporum della coreografa Anne Teresa De Keersmaeker.
Vortex Temporum è una composizione di Gérard Grisey in 3 movimenti, chiamati da Vortex Temporum I, II, III. Ciascun movimento è seguito da un breve interludio, costituito da fruscii pressoché inudibili.
Il titolo definisce la nascita di una formula di arpeggi vorticosi, iterati e la sua metamorfosi in vari campi temporali; alla fine è la continuità ad imporsi con il tempo dilatato: «la metrica è spesso annegata nella vertigine della durata pura» scriveva infatti Grisey; «l’ultima parola, diceva Varèse, è l’immaginazione. Io vi aggiungo l’emozione che crea la forma musicale … La musica è Numero e Dramma diceva Pitagora, l’arte musicale è un’arte violenta per eccellenza. Ci fa percepire ciò che Proust chiamava un po’ di tempo allo stato puro, quel tempo che presuppone simultaneamente l’esistenza e l’annientamento di ogni forma di vita».
In Vortex Temporum Anne Teresa De Keersmaeker prende spunto dalla composizione di Grisey per dare immagine e nuova dinamicità alla musica polifonica. Sei danzatori e sei musicisti in uno spazio ampissimo. Ciascun danzatore è legato ad uno dei sei musicisti in scena ed il suo gesto è in relazione alle note dello strumento. Tutti i performer sono in continuo movimento ed attraversano lo spazio, risucchiati in un vortice di centri concentrici.
Anne Teresa De Keersmaeker, già prima musicista che coreografa, in Vortex Temporum costruisce una piece che sintetizza e testimonia un percorso artistico estremo e complesso. Costruita con rigore, la performance si basa sulla “spettrale armonia” della composizione di Grisey strutturata partendo da arpeggio soggetto a continue metamorfosi e transizioni, e si sviluppa dall’evoluzione di un nucleo attorno al quale orbitano movimenti e suoni, in circolo vorticoso. Un eccellente cast di danzatori e musicisti uniti insieme in uno spazio dilato e mobile che inghiotte ed espelle rumori e sensazioni. Angoscioso ed ossessivo, il lavoro esplora come il tempo possa contrarsi ed espandersi, in una contrapposizione coreografica che esalta la partitura, i gesti dei musicisti, i movimenti dei danzatori.
data di pubblicazione 05/10/2015
da Rossano Giuppa | Ott 1, 2015
Ci sono alcuni spettacoli che catturano immediatamente, si imprimono nella mente, arricchiscono il vocabolario, si ricordano nel tempo. A tale speciale categoria appartiene May B di Maguy Marin, una delle figure storiche del teatrodanza francese. Al Roma Europa Festival la Compagnie Maguy Marin ritorna con lo spettacolo icona della coreografa franco-spagnola, ispirato all’opera dello scrittore e drammaturgo Samuel Beckett, che racconta la desolazione della condizione umana attraverso i versi e la gestualità di dieci personaggi in un continuo divenire. Nel repertorio della compagnia oramai da 35 anni, May B è stato rappresentato più di 700 volte in 5 continenti.
Nata a Tolosa da genitori spagnoli fuggiti dalla Spagna di Francisco Franco, studia danza classica, entra nella scuola Mudra e poi nella compagnia di Maurice Béjart per fondare poi una propria compagnia. Maguy Marin è stata definita la “pasionaria” della danza per aver sempre utilizzato la sua notorietà per operare nel sociale e aprire discussioni importanti su tematiche come: i senza tetto, i rifugiati, gli esclusi, dando vita in modo intelligente ed efficace a personaggi nei quali puntualmente ritrovarsi. Il risultato è certamente potente, ironico, toccante ma anche feroce; la danza è contaminata da una teatralità forte ed esasperata, lirica e cruda allo stesso tempo. Sulle musiche di Franz Schubert e Gavin Bryars, in uno spazio polveroso e nudo, dieci migranti iniziano un cammino iniziatico, fosco e violento, dialogano, si incontrano e si scontrano, si cercano e si respingono, si assemblano e si separano senza pace, condividendo situazioni ed emozioni, in un viaggio fuori dal tempo ma assolutamente contemporaneo.
Tragica ed ironica, la metafora degli emarginati senza tempo regala emozioni e riflessioni, in un coinvolgimento forte e profondo. Da vedere assolutamente.
data di pubblicazione 01/10/2015
da Rossano Giuppa | Set 26, 2015
(Teatro Argentina – Roma, 23/26 settembre 2015)
887 è il numero civico dell’indirizzo della via in cui Lepage ha vissuto con la famiglia in Québec negli anni Settanta ed è il racconto autobiografico del giovane Lepage, terzo di quattro fratelli, figlio di un tassista e di una casalinga, che coltiva in giovane età la sua vocazione per il teatro.
Il “solo show” di Lepage è una immersione nella memoria personale, interiore e collettiva. Lo spunto per lo spettacolo viene da un episodio – vero o forse presunto – riguardante la sua difficoltà a memorizzare un componimento poetico in occasione del Festival dei 40 anni della Poesia contemporanea in Québec. Il componimento Speak white (Parlez blanc) scritto da Michèle Lalonde nel 1968 parlava anch’esso di memoria, una memoria politica, la memoria delle vicende di un Québec separatista cruentemente soffocate sul nascere.
Il racconto testimonia la difficoltà di ritrovare il passato, guardando a ritroso le vicende personali e comuni che hanno condizionato vite e destini, attraverso un esercizio di uso della memoria ormai in disuso, che genera una fuoriuscita di ricordi e di pensieri, in un susseguirsi di immagini e parole nel tentativo di rielaborare il passato e riorganizzare il presente.
Ma il presente è tecnologia che abilmente entra nel narrato attraverso webcam, proiezioni fotografiche e video che diventano parte integrante del racconto, utili strumenti nelle mani dell’affabulatore per evocare luoghi, situazioni e fissare volti del passato, perché la memoria digitale è più fredda, più scientifica e più analitica.
Il numero 887 proiettato sullo schermo si trasforma nel corso della narrazione nelle foto e nei ricordi visivi della famiglia, nei minuscoli video che annunciano le attività e le vite che si svolgono all’interno del palazzo con un continuo rimando alla figura del padre attorno al quale ruota la storia: prima bagnino, poi militare in Marina, poi tassista.
L’edificio ricostruito in forma di plastico interattivo è una struttura mobile e sorprendente che si compone e scompone, ricreando atmosfere passate e presenti in maniera geniale. Da casa in scala con tutti i condomini presenti, a cucina con arredo, con tanto di tavolo e frigo, a sala con tv, ma anche a locale notturno, fast food ed infine all’intimità dolorosa del taxi paterno.
Un racconto stilisticamente perfetto e una costruzione scenica impeccabile non riescono però a sporcare un costrutto algido ed emotivamente non troppo coinvolgente.
Rimane l’ennesima prova di one man show cui ci ha abituato Lepage e la costruzione artistica ed il pathos emotivo delle scatole della nostra memoria cosi difficilmente esplorabili ma cosi fortemente presenti.
data di pubblicazione 26/09/2015
da Rossano Giuppa | Lug 30, 2015
Viaggiare ad est significa andare incontro al sole ed alla luce. Una luce diversa, più profonda e più intima. L’Oriente sorprende sempre per questo. Ogni volta ed a ogni viaggio sempre più piacevolmente.
Il Moviemov_Italian Film Festival, ideato e diretto da Goffredo Bettini, è un festival itinerante nato nel 2010 con l’obiettivo di strutturare una piattaforma d’incontro per la promozione culturale e commerciale del cinema italiano nei mercati asiatici. Il festival organizzato con maestria dalla Playtown di Roma ha già al suo attivo ben quattro edizioni, di cui tre nella futuristica e cinetica Bangkok, una nella complessa e difficile Manila, ed infine è approdato ad Hanoi dal 21 al 26 luglio 2015 con il difficile compito di far conoscere il cinema contemporaneo italiano alla giovanissima popolazione vietnamita. Ed è anche la prima volta che il Vietnam accoglie e sostiene un Festival internazionale.
Hanoi è una città in continua evoluzione, che ha voglia di conoscere e di crescere, un luogo in cui tutto è rapido e veloce, dove non è semplice suscitare interesse. La tradizione del cinema italiano non aiuta, le guerre e la miseria non hanno concesso molto ad una civiltà contadina, impegnata a sconfiggere la fame e le malattie. Ma le ultime generazioni sono diverse, hanno il web e la curiosità per recuperare i gap. Insomma una sfida importante. Una sfida che si è giocata puntando su due eccellenze del made in Italy: il cinema e la moda.
La programmazione è stata interessante, in grado di accomunare la nouvelle vague italiana a registi affermati. Sono stati infatti proposti al pubblico undici tra i film più rappresentativi e premiati delle ultime stagioni cinematografiche come Anime nere di Francesco Munzi, Fino a qui tutto bene di Roan Johnson, I nostri ragazzi di Ivano De Matteo, Il giovane favoloso di Mario Martone, La sedia della felicità di Carlo Mazzacurati, Le meraviglie di Alice Rohrwacher, Maraviglioso Boccaccio di Paolo e Vittorio Taviani, Noi e la Giulia di Edoardo Leo, Smetto quando voglio di Sydney Sibilia, Tempo instabile…con probabili schiarite di Marco Pontecorvo, che si vedono e rivedono con estremo piacere.
Il film di apertura è stato Allacciate le cinture di Ferzan Ozpetek, film che ha vinto anche la rassegna grazie al voto della giuria popolare formata dal pubblico vietnamita presente in sala durante le proiezioni: il regista aveva già vinto l’edizioni 2010 e 2011 di Bangkok con Mine Vaganti e Magnifica Presenza.
Significativo vedere la presenza di tanto pubblico vietnamita interessato alla selezione dei film italiani e agli attori ed registi intervenuti a presentarli: Ferzan Ozpetek, Paola Minaccioni, la madrina Valeria Solarino, Stefano Fresi, Pippo Delbono.
E tantissimo interesse ha suscitato anche l’altro simbolo del “Made in Italy” nel mondo, ossia la moda, presente in questo Festival con la mostra pillole di “L’eleganza del cibo. “Tales about food and fashion” curata da Stefano Dominella in collaborazione con il Consiglio della Moda italo-vietnamita, e promossa dalla Regione Lazio e dall’Ambasciata d’Italia in Vietnam che ha visto lunghe code di vietnamiti all’esterno di Casa Italia dove era stata allestita. La mostra che è parte della più ampia esposizione in questo periodo in corso a Roma presso i Mercati Traianei, illustra la contaminazione tra moda e cibo, il connubio tra nutrizione e sostenibilità, temi di grande attualità al centro di Expo Milano 2015. In mostra la “Natural Couture” dell’eco-designer Tiziano Guardini, gli abiti “Nuvola” di Italo Marseglia, la “Couture a la carte” di Guillermo Mariotto che ha dedicato un’intera collezione di alta moda della Maison Gattinoni al cibo e un prezioso omaggio a Expo 2015 dell’orafo Gianni de Benedittis, designer del brand FuturoRemoto, con i suoi “gioielli da mangiare”.
Un’esperienza interessante, una atmosfera piacevolissima al di là della forte umidità, un confronto interculturale ed interiore che arricchisce ed aiuta a crescere, come accade sempre qui, in Oriente.
Due momenti su tutti: il rivedere e rivivere a distanza di un anno la storia di Egle, la ragazza malata terminale di Allacciate le Cinture, per riscoprirla ancora più straordinaria e vera, ironica e sincera, estrema e delicatamente commovente. Grazie Paola Minaccioni!
E la densa e piacevole chiacchierata notturna con Pippo Delbono, un maestro colto e disponibile, piacevole e gentile, con la possibilità di spaziare in ogni dove con ironia e profondità e di parlare serenamente della forza e della bellezza dei suoi spettacoli, capaci di far riflettere ed emozionare nel profondo.
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